Tagged: article de fotografia

La amiga invisible de Robert Capa

Eren veïns. Els seus pares eren grans amics i un dia, ella, essent adolescents, li va mostrar al seu amic la Kodak Brownie que el seu pare li havia comprat pel seu aniversari. I li va ensenyar a com fer-la servir.

Així, entre rodets, diferents velocitats i obturacions, es van divertir molt recorrent la vella Budapest dels anys ’30. Però de totes formes, aquests entranyables amics aviat es van distanciar. Els nazis i les persecucions als jueus els van separar.

Ella, Eva Besnyö, se’n va anar a Amsterdam i ell, a París on va començar a ser conegut com a Robert Capa.


© Eva Besnyö

La resta ja és història coneguda.

Aquest any, aquesta amiga invisible de Capa va tenir el seu gran homenatge amb la publicació del monumental llibre de 250 pàgines titulat La imagen sensible.

 
© Eva Besnyö

La seva obra es va caracteritzar per tenir una visió humanista del món que resultaria estilísticament decisiva en el desenvolupament de la fotografia neorealista dels anys 50 principalment a Itàlia, França, Estats Units i també a Espanya.


© Eva Besnyö


© Eva Besnyö

També es va realitzar una gran retrospectiva aquest any a Paris i m’agradaria compartir amb vosaltres aquest vídeo que em sembla summament interessant per poder observar la magnitud de la seva obra.

Un article de Marcelo Caballero
Traducció de Carles Calero

Un americà a Segovia

A vegades, determinades fotografies queden de tal forma a l’imaginari col·lectiu que es converteixen en una espècie de carta de presentació d’una ciutat, d’una regió o d’una època.

Hi ha exemples de sobra…

En aquests moments em ve al cap, Paris i el petó de Robert Doisneau;

© Robert Doisneau

 la nena afgana de Steve McCurry;

© Steve McCurry

  la Catxemira de Cartier Bresson;

el Marroc de Bruno Barbey;

Essaouira, Marroc © Bruno Barbey

 o el magnific i espontani retrat del Che Guevara captat per Korda.

© Korda

Els camins que duen a que una imatge es consolidi a la memòria més enllà de les modes segueix essent tot un misteri.

Potser, si discernim cadascun dels seus factors, podríem trobar alguns aspectes que ens ajudarien a comprendre quelcom d’aquest fenomen: difusió mediàtica en el moment just; gustos polítics, artístics, històrics del moment, publicació de llibres importants; circulació per revistes de renom; cinema o recolzament de documentals.

Però tot això, en conjunt, no és una formula concreta que pugui explicar com una determinada fotografia o grup d’elles queda fixada a l’imaginari i que aconsegueixi construir un determinat simbolisme d’un lloc o d’una època.

Potser, aquestes imatges tant representatives, fan que es percebi el món d’un altre forma.

A mi em passa això tot sovint. I en especial amb llocs que encara no conec i on certes imatges construeixen poderosament el meu imaginari visual.

Quelcom semblant em va passar abans de visitar Segovia a Espanya, una ciutat de la que havia vist moltíssimes fotografies. I quasi totes, d’alguna forma, es relacionaven amb el fantàstic aqüeducte romà construït allí fa quasi 2.000 anys. Les típiques postals de sempre.

Però hi havia una d’elles que es va fixar a la meva ment més que d’altres i era la que es reprodueix aquí sota, captada al 1997 per James Stanfield, habitual col·laborador de National Geographic.

© James Stanfield

Vaig deduir a partir d’aquesta magnífica imatge que el reconegut fotògraf nord americà la havia captat amb l’ajuda d’un tele objectiu des d’algun lloc més o menys alt des de forma del casc antic.

Després de cercar als mapes i informació per Internet vaig arribar a la conclusió que no havia edificis molt alts pels voltants ja que tota aquella àrea, al voltant del aqüeducte, és zona protegida per ser aquest Patrimoni de la Humanitat.

Aleshores no cabia pensar en altre possibilitat que Stanfield hauria fet la fotografia des del campanar d’alguna església.

Tot just arribar a Segovia, em vaig dirigir a l’aqüeducte per constatar el que prèviament m’havia imaginat. I des d’allí em vaig adonar de seguida que, per la perspectiva de la fotografia de Stanfield, el lloc des d’on es va fer la fotografia possiblement fos la Església de San Justo (al seu voltant no havia cap amb un campanar més alt).

Ja estava caient la nit i vaig decidir allotjar-me pels voltants d’aquell antic temple cristià. Amb molta sort vaig trobar una casona del segle XIX restaurada que us la recomano: l’hostal Don Jaime, ubicada a escassos metres d’aquesta església romànica.

Al mati següent, ben aviat vaig anar a visitar-la però encara estava tancada. Vaig caminar una mica pels voltants i vaig trobar un home que regalava plantes d’un jardí i que es va presentar com  Rafael, el cuidador de la parròquia.

Després de les salutacions inicials, li vaig preguntar si era possible pujar al campanar i em va respondre que no. Estava en molt males condicions i la pedregar encara no havia estat restaurada. I va afegir que feia uns cinc anys que estava tancada i no sabia si ho arreglarien.

Mentrestant, Rafael, gentilment em va obrir la església per que la pugues veure.

Mentre passejàvem i mentre feia de guia, li vaig fer la següent pregunta:

Rafael, vostè que fa tant de temps que treballa aquí, sap d’algun fotògraf estranjer important que hagés pujat al campanar?

És clar, home – em va assenyalar ansiós per explicar la història – fa uns 10 anys va estar per aquí un anglès, em sembla. Era d’aquella revista…com es diu…National Geographic. Ho recordo bé perquè aquella nit era de gossos. Hi havia tempesta!!!…va estar com tres hores allí dalt fins prop de mitjanit. Pensava en aquell moment que la pluja i el vent se’l podien haver tragat. Em va preocupar molt perquè estava sol. Després se’n va anar i no el vaig tornar a veure.

La visita per l’interior de l’església va valer la pena. Al absis hi ha una important sèrie de murals del període romànic (segle XI i XII) que van ser descoberts feia pocs anys.

Mentre miràvem distrets els murals, pensava amb l’Stanfield i en aquella tempestosa nit. Però també pensava en que ja no era possible fer una fotografia així amb aquella perspectiva des del campanar.

El campanar i l’església de San Justo. Al fons l’aqüeducte
Un article de Marcelo Caballero
Traducció de Carles Calero

La política, la demagògia i la fotografia


Galeria Retrats de Presidents - Congres Diputats (Foto: José Ramón Ladra)Galeria Retratos de Presidentes – Congreso Diputados (Foto: José Ramón Ladra)

Veiem a El Periodico de Catalunya la informació “El retrat de José Bono que s’exposarà al Congrés costarà 94.000 euros” i afegeix que “El també expresident de la Cambra Manuel Marín ha optat per una foto taxada en 27.000 euros”. Veure l’article.

Des del nostre espai, normalment parlem de fotografia i no ens posicionem en temes polítics. Aquest cop hem cregut necessari comentar aquest article.

És indecent que mentre es retallen despeses en serveis bàsics com la sanitat i la educació, hi ha despeses egòlatres totalment supèrflues que es mantenen. No s’hauria de començar a retallar per aquí?

No entrarem a valorar si el treball d’un pintor com Bernardo Torrens, o d’una fotògrafa com Cristina García Rodero tenen un valor de 94.000 euros i de 27.000 euros respectivament. Ni tampoc si el pressupost l’hagués demanat un particular… li haurien demanat el mateix import? Entenem que cadascú valora la seva feina com creu oportú. No tenim dades de com es fa cada producció i la gent que intervindrà, el material que s’utilitzarà i el preu d’aquest…però si que entenem que en dos retrats es gastaran 121.000 euros, és a dir, moltes nòmines retallades.

En comptes de fer aquestes grans produccions a l’estil Annie Leibovitz o David Lachapelle (d’altra banda no s’entenen aquests preus), els ex-presidents del Congrés dels Diputats podrien afavorir el sector de les belles arts i la fotografia deixant que siguin nous valors emergents, o estudiants avantatjats de pintura i fotografia qui fessin aquest encàrrec en forma de concurs, i el guanyador s’endugués una dotació econòmica interessant…però evidentment lluny d’aquests més de 20 milions de les antigues pessetes que pagarem entre tots els contribuents.

No tenen cap pudor en gastar-se aquesta gran quantitat de diners en un parell de retrats, de molt bona qualitat, ningú ho dubta…però ens diuen que la vaga del 29-M és inoportuna per la conjuntura econòmica…potser els qui no saben a quin món viuen i els inoportuns son ells. Els polítics.

Una simple opinió, la de Carles Calero, membre fundador de TERRAdeNINGU.com – Fotografia.

Edward Hopper, un gran fotògraf sense càmera

No em canso de repetir que Edward Hopper és un dels més grans street photographers sense haver usat mai una càmera, amb l’única excepció per fer fotografies de base per a les seves pintures.

Hopper, a través dels seus quadres, el que mostra son els límits de la nostra percepció. Aquesta eterna sensació d’ocultar més que mostrar ha estat molt atractiu per als fotògrafs i especialment per als documentalistes i els street des de Robert Frank en endavant.

I un altre element que l’apropa als fotògrafs de carrer és que les seves pintures semblen haver sigut concebudes (en lliure semblança) amb objectius curts, de 35 mm a 50 mm. I d’aquesta forma, transmeten una tensió in crescendo en paral·lel a aquesta sensació de proximitat i d’estar prop de mostrar lo ocult.

 És per això, que avui vull compartir un vídeo que va publicar la Galería Nacional de Arte (NGA, Washington, USA) i de la ma del relator, Franklin Kelly, sènior curator de la galeria, s’endinsarà en alguns aspectes del pintor i la seva relació amb Nova York i el cinema.

Un interessant vídeo que espero el gaudiu.

Un article de Marcelo Caballero

Traducció de Carles Calero

Tots som estudiants de fotografia

A molts dels que els apassiona la fotografia coneixeran la carta que va escriure el gran fotògraf novaiorquès Paul Strand al 1923.

En canvi, molts d’altres, encara no l’han llegit.

Per aquest motiu, avui vull compartir-la amb vosaltres, en aquests temps on la immediatesa i la massiva i caòtica irrupció d’imatges a Internet son la actual consigna. Coses que el propi Strand ni tant sols s’atrevia a pensar en els seus pensaments més esbojarrats.

1917 © Paul Strand

“Tots som estudiants, alguns ho son durant més temps que d’altres més experimentats. Quan deixeu de ser estudiants, pot ser que deixeu d’estar vius pel que respecta al sentit del vostre treball. Per tant parlo d’estudiant a estudiant. Vull dir-vos, doncs, que abans de dedicar temps a la fotografia (que d’altra banda us en prendrà bastant) penseu fins a quin punt és important per a cadascun de vosaltres.

Si el que realment perseguiu és pintar o un altra cosa, aleshores no fotografieu, a no ser que es tracti d’una mera diversió. La fotografia no és una drecera per arribar a la pintura, per arribar a ser artista o per a qualsevol altra cosa. D’altra banda si la càmera i els seus materials us fascinen i motiva la vostra energia i el vostre respecte, apreneu a fotografiar. Descobrireu primer que pot fer aquesta càmera i aquests materials sense interferències, únicament amb la vostra pròpia visió. Fotografieu un arbre, una màquina, una taula, qualsevol trasto vell; feu-ho un i un altre cop modificant la llum. Observeu el que registra la vostra pel·lícula, descobriu els resultats que s’obtenen amb els diferents tipus de paper i gradacions.  Les diferències de color que es poden obtenir utilitzant un o un altre revelador i de quina forma aquestes diferències canvien la expressivitat de la imatge. El camp és il·limitat, inesgotable, sense sortir de les fronteres naturals del medi. En resum, treballeu, experimenteu i oblideu-vos de l’Art, del pictorialisme i d’altres paraules de major o menor grau mancades de sentit.

1915 © Paul Strand

Veieu llibres d’autor, exposicions, i com a mínim coneixereu el que han fet altres fotògrafs. I observeu també críticament el que s’està fent en general i el que cadascun de vosaltres feu ara. Alguns han dit que Stieglitz tenia força perquè hipnotitzava als seus models. Aneu i mireu el que ha fet amb els núvols; descobriu si els seus poders hipnòtics s’estenien també sobre els elements. Observeu totes aquestes coses. Mireu que signifiquen per a vosaltres; assimileu el que podeu i oblideu-vos de la resta. Sobre tot mireu les coses del vostre entorn, el vostre món immediat. Si esteu vius significarà quelcom per a vosaltres, i si us interesseu lo suficient per la fotografia i sabeu com usar-la voldreu fotografiar aquest significat.

Si permeteu que la visió de la demès gent s’interposi entre el món i la vostra pròpia visió aconseguireu quelcom ordinari i sense sentit: una fotografia pictorialista. Però si conserveu aquesta visió clara, aconseguireu alguna cosa que com a mínim serà una fotografia amb vida pròpia, al igual que un arbre o una caixa de llumins, sempre que cregueu que aquestes coses tenen vida pròpia. Per aconseguir això no hi ha dreceres, ni fórmules, ni regles; autocrítica més rigorosa i el treball constant. Però primer apreneu a fotografiar. Per a mi això constitueix ja un problema sense fi “.

En sintonia amb tot això, fa un parell d’anys, un altre mestre de la fotografia contemporànea, José Manuel Navia ens va mostrar al seu taller, la magnífica i innovadora pel·lícula documental Manhatta, estrenada al 1921 i codirigida pel propi Strand juntament amb Charles Scheeler.

Una forta abraçada i fins aviat!

Un article de Marcelo Caballero

Traducció de Carles Calero

Frank, Kerouac, Bagdad Cafè a la Ruta 66

1955 “Els Americans” © Robert Frank

Tant Robert Frank com Jack Kerouac tenen com a denominador comú la ruta 66. I els seus fantasmes visuals i literaris han d’estar feliços de barrejar-se a l’esperit de Bagdad Café, una pel·lícula que tot just acabo de veure després de molts anys. I va valer la pena aquest redescobriment.

Una escena de Bagdad Café estrenada al 1987

En aquesta nova lectura, trobo certes complicitats del fotògraf suís o del gran escriptor Beatnik entre les imatges d’aquesta pel·licula, un clar exemple del Neo Expressionisme teutó.

Però el seu director de fotografia, Bernd Heinl, aporta un pas més a tots aquests bons ingredients que va associar lliurement al film. Heinl proposa xocs violents de llums i ombres, cascades lluminoses que envaeixen la pantalla i brusques caigudes de línies que provoquen una tensió visual in crescendo, característiques visuals expressionistes que m’atrauen d’aquesta pel·lícula dirigida per Percy Adlon.

Primera escena del film

També m’agrada la il·luminació i el color utilitzat que te un valor semàntic important. A mig camí del sèpia i els saturats, les imatges em provoquen una sensació com a espectador, d’estar imbuït profundament en un polsegós desert de soledat, vent i benzineres.

L’argument que proposa Adlon em captiva en tots sentits. La pel·lícula es contextualitza en el marc del desert del Mojave, als Estats Units, on viuen una sèrie de personatges simpàtics i estrafolaris. I per sobre d’això, un peculiar encontre de dos dones de cultures diferents: una obesa alemanya, abandonada pel seu marit en ple viatge per la Ruta 66 que acaba en un aïllat motel regentat per una combativa dona negre.

Resumint, si Kerouac visqués tindria aquest film com un dels seus predilectes i Frank, si s’ho proposes, tornaria a endinsar-se per la mítica ruta amb la seva vella Leica, o perquè no, una digital.

Bé, us deixo amb un breu vídeo d’imatges de Bagdad Cafè acompanyades per la seva meravellosa banda sonora. Fins aviat!

Un artículo de Marcelo Caballero

Traducció de Carles Calero

Llocs entremitjos

Retrato de Orleans 1950 © Edward Hopper

El que sempre m’ha agradat dels treballs de Edward Hopper son els seus quadres on apareixen benzineres. Potser perquè va dotar a aquests espais entremitjos, de trànsit, la dignitat del motiu artístic.

Gas – 1940 © Edward Hopper

Hopper, amb les seves sèries de benzineres, em transmet un estat de suspensió permanent. I a l’observar aquestes delicioses pintures, sempre penso en el succeirà o en el que va passar. Un tret molt típic i característic de Hopper: suggerir el que està fora del quadre.

Autovía de 4 carriles 1956 © Edward Hopper

Aquesta suposada neutralitat i fins i tot indiferència, sumat a la dignitat artística que Hopper li atribueix a les benzineres el converteixen en un autèntic predecessor del Pop Art. En aquest context del pop-art, Edward Ruscha també les va elevar a la categoria d’art pictòric.

1963 © Edward Ruscha

Aquest pintor pop també era fotògraf i al 1963 va publicar un llibre de fotografies titulat Twentysix Gasoline Stations i com diu el títol, inclou 26 fotografies de diferents benzineres.

Incluida en el libro – 1963© Edward Ruscha

En aquest llibre (amb una tirada inicial de sols 400 exemplars) la intenció de Ruscha era crear un material neutre mancat de qualsevol detall superflu, el més anodí possible ja que només volia fixar una sèrie de moments com una repetició. Aquest llibre de Ruscha, al seu moment va ser molt criticat, però amb el temps es va guanyar un lloc entre els clàssics de l’art-pop.

Aquesta empremta hopperiana de llocs entremitjos també podem trobar-la en diversos fotògrafs de l’època.

1974 © Sthepen Shore
Menphis 1960 © Inge Morath
1955 © Robert Frank

Com he dit al principi, a Hopper li agradava suggerir quelcom que està fora del quadre i aquest imaginari em transporta al Paris, Texas de Wim Wenders on els camins, les benzineres i els espais de transit son protagonistes involuntaris d’aquesta pel·lícula, veritable clàssic de les road movies.

El vídeo està acompanyat de la música de Gotan Project que respira benzineres, cotxes i camins per recórrer.

Un article de Marcelo Caballero

Traducció de Carles Calero