Categoría : Artículos

La calle de los encordadores nocturnos

Reeperbahn significa en alemán: calle de los encordadores en alusión a que en el siglo XVII y XVIII, en esa calle de Hamburgo se producían cuerdas para el puerto de la ciudad.

Sin embargo, un siglo después, comezó a ser más conocido por ser la zona roja por excelencia.  Allí, entre burdeles y clubes de mala muerte, tocaron los Beatles a principios de los ’60 del siglo pasado cuando aún no eran famosos. Allí los cuatro de Liverpool se curtieron entre prostitutas, borrachos, proxenetas y todo tipo de personaje nocturno. La zona roja de Amsterdam era un juego de Disney en comparación con Reeperbahn.

En una de esas apocalípticas e interminables actuaciones de los Beatles de 1962, había un espectador de lujo que con sólo 18 años miraba todo ello con la sorpresa e incredulidad de estar viendo algo increíble. Era Anders Petersen, y todo ello le pareció salido de una pintura de Caravaggio. Se prometió volver pero con una cámara.

El fotógrafo sueco volvió en 1967 y se ganó la confianza de los parroquianos habituales de una de las cervecerías de moda en aquellos años en Reeperbahm: Café Lehmitz y durante los siguientes 3 años retrató a su clientela.

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El trabajo se publicó por primera vez en formato libro en 1978 y pronto se convirtió en una referencia del foto reportaje.

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Café Lehmitz reúne 80 fotografías realizadas entre 1967 y 1970.

© Anders Petersen © Anders Petersen

petersen-lehmitz16 © Anders Petersen

Cuenta una anécdota que Anders Petersen, apenas entrar por primera vez a la cervecería, dejó sin querer su cámara en la barra para ir al baño. A su regreso, encontró que no se la habían robado. Todo lo contrario, los clientes jugaban con ella, retratándose entre ellos. Ese fue el principio de la amistad del fotógrafo sueco con la gente que andaba por allí. Y toda esa empatía se nota en estas auténticas fotografías del trabajo.

© Anders Petersen © Anders Petersen

Inspirado en la visión de los desposeídos urbanos del trabajo de Petersen, el músico Tom Waits publicó en 1985, uno de sus más importantes trabajos discográficos: Rain Dogs y la tapa del disco, por supuesto era una del fotógrafo sueco.

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Por este motivo, los dejo con un video que narra la serie de Petersen con música de Waits.

Un abrazo y hasta pronto!

Un artículo de Marcelo Caballero

Street photography cars

2012 Catalunya © Marcelo Caballero
2012 Catalunya © Marcelo Caballero

A mi siempre me ha gustado (y a muchos fotógrafos también) realizar fotografías de calle desde un auto y que al mismo tiempo, el coche sea parte integrante de la composición fotográfica.

Salt, Girona 2012 © Marcelo Caballero
Salt, Girona 2012 © Marcelo Caballero

Tiene su magia. Las líneas automotoras, espejos retrovisores, reflejos, complementan lo que pasa afuera del automóvil y le otorga un plus diferencial como documento visual de una època, de una región. Y todo gracias al modelo y características del vehículo en cuestión.

Grandes fotógrafos como Raghubir Singh o Lee Friedlander lo entendieron así.

Kerala 1995 © Ragubhir Singh
Kerala 1995 © Ragubhir Singh

Ragubhir Singh a través del coche fetiche de la India: el Ambassador, realizó un gran trabajo por toda India. A way into India es la materialización de ese gran proyecto, el último del extinto street photographer indio.

Rhajastán, India 1997 © Raghubir Singh
Rhajastán, India 1997 © Raghubir Singh

Lee Friedlander también realizó un gran trabajo desde el automóvil por todo Estados Unidos.

© Lee Friedlander
© Lee Friedlander

El fotógrafo documenta este tipo de street phototaphy desde 1960, y parte del trabajo fue publicado en el 2010 con el nombre de American By Car. En este libro se puede apreciar como cambian las épocas gracias a los modelos de auto utilizados por Friedlander.

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Otro fotógrafo que merece ser mencionado y que está realizando un gran trabajo en la actualidad es Karl Baden con su proyecto In and out of the Car.

© Karl Baden
© Karl Baden

© Karl Baden
© Karl Baden

Baden utiliza el color para recrear en sus fotografías exuberantes cromatismos de cosas que ocurren fuera del auto. Desde mi opinión, es el más expresionista de los tres fotógrafos mencionados.

© Karl Baden
© Karl Baden

Hasta pronto!!

Un artículo de Marcelo Caballero

Un fotógrafo con un estilo único

Debido a las grandes retrospectivas dedicadas a André Kertész en Jeu de Paume, París y en Berlín durante 2011, la prestigiosa editorial alemana Hatje Cantz publicó el más completo volumen sobre el trabajo del fotógrafo húngaro que se conoce hasta el día de hoy.

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Llamado simplemente André Kertész, el libro tiene  360 imágenes y 544 ilustraciones a color.

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El trabajo también cuenta con un exhaustivo análisis de su obra a cargo de especialistas como Michel Frizot y Annie-Laure Wanaverbecq.

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Las fotografías están organizadas cronológicamanente y es un recorrido tangencial a través de casi todo el siglo XX.

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Por último, quiero compartir con ustedes un video que muestra a Kertész en acción con sus 88 años a cuesta, en su visita a París en 1982.

DibujoImagen tomada de Youtube. Clickar en la imagen para ver el vídeo.

Recordemos que durante esa visita a la capital francesa, el fotógrafo recibió el Gran Premio Nacional de Fotografía. Y tres años después fallece, dejando un legado de más de 100.000 negativos.

Un artículo de Marcelo Caballero

Lo público y privado en Mark Cohen

A principios de los ’80 del siglo pasado, el cineasta Michael Engler realizó documentales para la televisión alemana que mostraban el trabajo de algunos de los grandes fotógrafos documentales americanos de ese entonces.

Y así nació la serie Fotografía Contemporánea en América que incluye capítulos dedicados a Harry Callahan, Mark Cohen, Robert Frank, Joel Meyerowitz, Sthepen Shore, Garry Winogrand, Duane Michals, Ralph Gibson entre otros.

De todos ellos, me interesó el reportaje que el cineasta alemán le realizó a Mark Cohen porque toca un tema de mucha actualidad y produce grandes controversias: el derecho a la privacidad.

© Mark Cohen
© Mark Cohen

Realizado en 1982, el video cobra una notoria actualidad por  la forma en que el fotógrafo interacciona con la gente en los espacios públicos.

© Mark Cohen
© Mark Cohen

La comparación con el hoy es inevitable. Hace una semana, Lens, el blog del New York Times publicó una nota titulada Protecting the right to photograph, or not to be photographed que habla sobre el derecho a la privacidad en los actuales espacios públicos. En esa nota, Nick Turpin (In-Public) señala que en París, los peatones en general no quieren salir en las fotos. Parece que en Francia, los fotógrafos de calle comienzan a ser vistos como una amenaza.  Y también se habla que las cosas se pondrán difíciles en Gran Bretaña y también en los Estados Unidos. Les recomiendo que lean la nota.

© Mark Cohen
© Mark Cohen

Por eso, el video de Mark Cohen estimula al debate, a la eterna discusión de lo que es privado o que es público en la calle que, al fin y al cabo,  pertenece a la ciudadanía de cualquier ciudad del mundo.

Un artículo de Marcelo Caballero

Antes de la mística, Londres de Larraín

Solo se consiguen buenas fotos cuando uno hace lo que de verdad le interesa, o sea, escoger uno mismo sus temas
Sergio Larraín

 Sergio Larraín siempre ha sido uno de mis fotógrafos preferidos.

Cada vez que observo sus imágenes, me quedo largo rato en cada una de ellas y nunca dejo de aprender algo nuevo. Siempre fantaseo con la idea que sus fotografías cambian con el paso del tiempo, que algo internamente se transforma, parece que por eso me atrapan tanto. Quizás todo este divague intelectual, que hago ahora, ocurra debido a que Larraín dejó voluntariamente la fotografía en 1970.

Todas las imágenes que había realizado (y que a mi me gustan tanto); para él ya no significaron más nada: quemó todos sus negativos y, lo que hoy en día conocemos, es gracias a Josef Koudelka que había realizado copias de gran parte de su obra.

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Sergio Larraín por Jean Mouniq

Desde entonces hasta su muerte acaecida en el 2012, vivió en la mística, en una permanente meditación en un paraje perdido en Chile.

Hace unos días, me compré London 1958-59 que fue publicado por primera vez en 1998.

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Las fotos de este libro de 64 páginas  fueron realizadas mientras Larraín estuvo becado, durante esos años, por el British Council para estudiar fotografía.

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© Sergio Larraín

Aunque parezca increíble, este trabajo permaneció “perdido” 40 años en el archivo de Magnum hasta que Agnés Sire - directora de la Fundación de Cartier Bresson - se fijó en ellas y quedó impactada.

© Sergio Larraín
© Sergio Larraín

Para mi este libro es uno de los mejores trabajos street photography que se han realizado sobre Londres.

© Sergio Larraín
© Sergio Larraín

© Sergio Larraín
© Sergio Larraín

Larraín, de alguna manera, retrató el espíritu de sus calles.

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© Sergio Larraín

“La bruma, la soledad, las aceras, los parques o los bares, el poder del dinero. Esta visión de Londres sin embargo tan íntima, no por ello deja de ser significante;…

© Sergio Larraín
© Sergio Larraín

… hay quien ha reconocido en ella a los personajes claves de la literatura inglesa.” escribió Agnès Sire en el catálogo de la gran retrospectiva a su obra realizada en el Instituto Valenciano de Arte Moderno en 1999 (Valencia, España).

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© Sergio Larraín

Un artículo de Marcelo Caballero

Escenas mágicas de Julie Blackmon

de su serie Nueva York © Julie Blackmon
de su serie Nueva York © Julie Blackmon

Pareciera que el trabajo de Julie Blackmon fuera realizado por un fotógrafo de calle. Utiliza muchas de sus características, pero ella no lo es.

de su serie Nueva York © Julie Blackmon
de su serie Nueva York © Julie Blackmon

Las fronteras entre la instantánea urbana y el montaje en sus trabajos es difuso, envolvente. Ella misma reconoce que monta las imágenes en la pre y post producción.

de su serie Nueva York © Julie Blackmon
de su serie Nueva York © Julie Blackmon

Sin embargo, y a pesar de todo ello, me gusta su equilibrada forma de componer como si todo lo que ocurriera en sus fotografías estuviera sujeta a una frágil tensión de líneas y formas. Eso puede ser un gran estímulo, inspiración y ejemplo para cualquier fotógrafo de calle.

de su serie Nueva York © Julie Blackmon
de su serie Nueva York © Julie Blackmon

Otra elemento que me encanta de esta fotógrafa norteamericana es el juego de capas que propone.

de su serie Nueva York © Julie Blackmon
de su serie Nueva York © Julie Blackmon

Una técnica compositiva que busca incluir dentro de la misma imagen distintos planos y lo hace de una manera muy equilibrada con un atractivo ritmo visual de formas y color.

de su serie Nueva York © Julie Blackmon
de su serie Nueva York © Julie Blackmon

Me agrada ir más allá del documental para explorar los elementos fantásticos de nuestra vida cotidiana” señala la fotógrafa que encontró una gran fuente de inspiración en su experiencia de haber nacido en una familia numerosa.

de su serie Nueva York © Julie Blackmon
de su serie Nueva York © Julie Blackmon

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Otra fuente de inspiración fueron los pintores flamencos u holandeses del siglo XVII como Jan Steen conocido por sus escenas de familias numerosas en un caos ordenado.

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1663. Jan Steen

Esa influencia se puede observar claramente en la publicación de su primer trabajo a color: Domestic Vacations (2008).

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Un trabajo realizado con cámaras de formato medio y en donde se pueden apreciar  mágicas escenas domésticas, sutiles colores, y todo en un aparente caos que la fotógrafa sabe equilibrar perfectamente.

Hasta pronto!!

Un artículo de Marcelo Caballero

Genesis de un proyecto de almuerzo street

Reitero, siempre que puedo, sobre la necesidad de armar buenos y originales proyectos en la street photography por sobre la preferencia casi generalizada de hacer unas cuantas fotografías bonitas. De otra manera, el subgénero tiene los días contados.

Hace unos días, me encontré con un proyecto que ya tiene más de diez años pero que viene de perlas para ejemplificarlo, hoy en el post.

Se trata de The Company of Strangers, cuyo autor es Gus Powell (In Public) y fue publicado en el año 2003 por una pequeña editorial de Nueva YorkJ & L Books.

© Gus Powell
© Gus Powell

El proyecto está realizado enteramente a color con diapositivas y películas por las calles de la Gran Manzana durante los años ’90 del siglo pasado y principios del nuevo milenio.

© Gus Powell
© Gus Powell

El libro se encuentra en la línea sucesoria de los trabajos street de Joel Meyerowitz o Robert Walker, por citar algunos grandes fotógrafos coloristas que trabajaron y mucho, en Nueva York, años antes de Gus Powell.

© Gus Powell
© Gus Powell

Sin embargo, con el proyecto, Powell intentó darle un toque estético y documental diferente, ante la gran magnitud de trabajos street que se realizaron y se realizan en Nueva York.

© Gus Powell
© Gus Powell

Decidió captar instantáneas callejeras a una hora no muy apropiada para la fotografía: al mediodía.

© Gus Powell
© Gus Powell

La razón de esta elección horaria estuvo condicionada e inspirada por Lunch Poems.

Lunch Poems

Un poemario escrito por el poeta Frank O’Hara en 1964 cuyos versos se caracterizan por ser reacciones espontáneas a las cosas que suceden en el momento y parecen haber sido escritos a la hora del almuerzo en cualquier rincón de Nueva York.

© Gus Powell
© Gus Powell

Este poeta, nacido durante la efervescente movida cultural neoyorquina de principios de los ’50 (liderada por el pintor expresionista William de Konning y otros), es también considerado un gran poeta street de su generación.

Lunch Poems también contiene numerosas referencias a la cultura pop, literarios y musicales que estimularon a Powell a la concreción de este proyecto.

Una de las páginas del libro de Gus Powell
Una de las páginas del libro de Gus Powell

En los Lunch Poems hay un desvío en la atención de lo inmediato a lo impermanente -señala un estudioso de la obra O’Hara, el escritor chileno Juan José Richards Echeverría - Todos los almuerzos están atravesados por cierta precariedad espacial y material: en ellos no hay lujo sino escasez y prisa“.

© Gus Powell
© Gus Powell

Tienden a ser breves, esporádicos. La mirada está a la deriva del deseo. Lo que la voz poética busca es una proximidad con otro. Esta mirada deseante es también mirada melancólica sobre el mismo tiempo donde acontece. Anhela poseer lo que está ocurriendo, como si no existiera el presente” concluye Richards Echeverría.

Un artículo de Marcelo Caballero

Nace La Voz de la Imagen española

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José Luis López Linares (ganador de varios Goyas a la mejor fotografía) y Publio López Mondéjar (prestigioso investigador de la fotografía española) unieron esfuerzo y pasión para crear La voz de la Imagen: un proyecto  que pretende preservar el legado y pensamiento de los autores clásicos de la fotografía española.

Pionero en España, el proyecto comenzó a gestarse hace unos 5 años. Durante todo ese tiempo, José Luis López Linares y Publio López Mondéjar entrevistaron a 30 fotógrafos. Finalmente este año y gracias al apoyo del Ministerio de Cultura, pudieron cristalizar esa propuesta documental con la puesta en línea de una web donde se pueda observar los primeros materiales documentales.

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© Eugeni Forcano

©Virxilio Vieitez
© Virxilio Viéitez

Figuran en esta primera entrega:  Virxilio ViéitezPiedad IslaRamón MasatsAlbert Schommer, Leopoldo Pomés y Eugeni Forcano.

© Albert Schommer
© Albert Schommer

© Leopoldo Pomés
© Leopoldo Pomés

En el tiempo presente – se señala en la web – los protagonistas de la historia fotográfica española han ido desapareciendo, sin que nadie se haya interesado por recoger sus recuerdos personales y profesionales, privándonos así de un formidable caudal de conocimientos, absolutamente indispensables para los historiadores y para todas las personas interesadas en el lenguaje fotográfico“.

© Ramón Masats
© Ramón Masats

© Piedad Isla
© Piedad Isla

A lo largo de 2013 el proyecto se irá completando con otras entrevistas, entre las cuales figura la realizada a Enrique Meneses y a Gonzalo Juanes.

Un artículo de Marcelo Caballero

Llega la primavera para Calle 35 con novedades

Para los que viven en Barcelona o en los alrededores…o gente de todas partes que nos quieran visitar, Calle 35 ofrece varias novedades para esta primavera y así disfrutar de la fotografía de calle por la ciudad.

En primer lugar, Calle 35 inaugura una nueva expo.

Desde el viernes pasado y hasta el 12 abril podrán visitar la nueva expo del colectivo titulada 15 de 35 (una fotografía por autor) en la confortable sala de Cadàver Exquisit, ubicado en el barrio de Gracia en Barcelona.

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Y en segundo lugar, se viene un nuevo taller…

La Calle es tuya, el nuevo taller que organiza Calle 35, es una buena oportunidad para disfrutar de un paseo fotográfico diferente, haciendo fotografía de calle junto con la compañía de algunos de los experimentados miembros del colectivo como Carlos PrietoDomingo Venero BarberánDavid Salcedo y quien les escribe.

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Y esto no es todo.

Para otorgarle un plus diferencial al tipo de taller que veníamos haciendo hasta hoy, decidimos incorporar ponencias realizadas por algún fotógrafo y que versen sobre distintos aspectos de la street photography. Por ejemplo, cuestiones históricas, contemporáneas, cámaras, técnicas o proyectos.

© Rafa Badia
© Rafa Badia

Recuerden que durante el año realizaremos 3 talleres más (uno por trimestre), todos en Cadàver Exquisit.

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© Rafa Pérez

Y este primer taller (19 de abril) lo abrirá Rafa Badia con una ponencia sobre aspectos históricos, escuelas y corrientes dominantes de este subgénero documental hasta la década del ’70.

A continuación, este servidor hablará sobre la consolidación de la fotografía de calle a color a partir de esa década y referentes en el mundo anglosajón y también de España.

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© Marcelo Caballero

Para los que se quieran inscribir, les dejo toda la info en este enlace. Es importante saber que el  taller tendrá como máximo a 11 alumnos. Así que ha inscribirse!!!

Un artículo de Marcelo Caballero

Flash street photography en Chicago: Satoki Nakata

¡Vaya!… Me sigue sorprendiendo la cantidad y cualidad de streets photographers que realizan trabajos en esta ciudad norteamericana que va camino a convertirse en una meca del street .

En este caso, voy a hablar de Satoki Nagata. Este fotógrafo japonés que vive en esta ciudad desde 1992, está realizando un gran proyecto street titulado: Lights in Chicago. Y debo decir que es muy especial.

© Satoki Nagata © Satoki Nagata

El fotógrafo japonés utiliza un flash remoto, siempre ubicado detrás de los sujetos que fotografía.

© Satoki Nagata
© Satoki Nagata

De esa manera, y con velocidad de obturación lenta, Nagata interactúa al flash con instantáneas callejeras nocturnas, sin dobles exposiciones y sin reflexiones en vidrios y espejos.

© Satoki Nagata
© Satoki Nagata

El resultado se puede observar a simple vista. Su trabajo es muy sorprendente como singular dentro de lo que acostumbro a observar en el mundo street contemporáneo.

© Satoki Nagata
© Satoki Nagata

Las personas se observan como fantasmales, transparentes rodeados por un halo de luz nítido, limpio y a su vez, dinámico y vital.

© Satoki Nagata
© Satoki Nagata

La cámara – señala Nagata – capta el momento de la fracción de segundo y me parece que las imágenes exitosas muestran las relaciones multi-dimensionales del mundo a través de las formas simbólicas y abstractas. He encontrado esas formas en mi fotografía”.

© Satoki Nagata
© Satoki Nagata

“Veo la luz y la sombra producida por el flash y me parece la forma más pura de la realidad de las personas que viven en la ciudad”.

© Satoki Nagata
© Satoki Nagata

Actualmente Nakata junto con un grupo de artistas emergentes integran un grupo de trabajo denominado Chicago The Beautiful y tienen como misión, a través del arte ubano, tomar consciencia de la belleza  de Chicago. Para ello fomentan y tarnsmitene distintas propuestas artísticas.

© Satoki Nagata
© Satoki Nagata

Parte del proyecto Light in Chicago se puede visualizar aquí en este enlace de Flickr.

Hasta pronto!!

Un artículo de Marcelo Caballero